La Renaissance artistique- Seconde- Histoire

La Renaissance artistique est indissociable de la philosophie humaniste. Les artistes veulent rompre avec le Moyen Âge et renouveler l’art aux sources de l’Antiquité. Ils s’inspirent donc des maîtres de l’Antiquité gréco-romaine, qu’ils tentent d’égaler et bientôt de surpasser.

Les artistes italiens se passionnent pour les ruines antiques dont regorgent leur sous-sol et que l’on redécouvre grâce à des fouilles de plus en plus nombreuses. Les architectes, comme Palladio, redécouvrent les colonnes, les coupoles, les frontons des édifices antiques. 

La Villa Rotonda, en Vénétie, construite selon les plans d’Andrea Palladio ⎸© iStock – dpm75

Les sculpteurs et les peintres s’inspirent des statues antiques et veulent égaler leur réalisme. Ils puisent leurs sujets dans la mythologie gréco-romaine. Si la plupart des sujets restent religieux, le décor à l’antique est omniprésent.

Le Saint-Sébastien de Mantegna est supplicié sur une colonne, au milieu de ruines antiques. La référence à l’Antiquité est parfois plus directe, comme dans L’École d’Athènes, une fresque de Raphaël où sont représentés les grands philosophes de l'Antiquité (Au centre, se tiennent Platon et Aristote).

L'École d'Athènes, de Raphaël, 1508-1512

Au Moyen Âge, l’essentiel des sujets d’inspiration est d’ordre religieux. À la Renaissance, ils restent nombreux mais sont traités différemment, avec notamment une attention plus grande donnée aux corps. Les artistes s’appuient sur les progrès de l’anatomie pour représenter l’homme de manière toujours plus réaliste.

Les sujets purement profanes se multiplient : scènes d’intérieur, nature, portraits de personnes vivantes, etc. La peinture flamande est très attachée au portrait. Jan van Eyck, dans la première moitié du XV^e siècle est le premier à représenter un couple.

Les princes, comme les riches marchands, se font représenter sur des portraits pour affirmer leur rang.

D’autre part, l’artiste devient peu à peu un créateur à part entière. Au Moyen Âge, les artistes étaient essentiellement considérés comme des artisans, qui maîtrisaient une technique. L’artiste prend conscience de son rôle particulier, il prend conscience qu’il réalise une œuvre à part entière. Il y appose sa signature. La pratique du mécénat donne parfois aux artistes le rôle de mettre en scène le pouvoir des princes. Les princes leur reconnaissent une place particulière : c’est le cas de Charles Quint et Titien.

Les artistes de la Renaissance mettent au point de nouvelles techniques. Souvent passionnés de mathématiques, ils redécouvrent le nombre d’or et recherchent les proportions parfaites.

L’Homme de Vitruve, de Léonard de Vinci, réalisé en respectant les proportions du corps humain d’après Vitruve, architecte romain du I^er siècle avant J.-C., vers 1490 ⎸© iStock – Vaara

Dans la peinture médiévale, la disposition et la représentation des personnages étaient déterminées par la hiérarchie sociale. À la Renaissance, la volonté de représenter le réel conduit à la découverte de la perspective, une technique qui permet de donner une illusion de profondeur, grâce à des lignes directrices qui convergent vers un point central du tableau, le point de fuite.

Les peintres flamands mettent au point la peinture à l’huile : au Moyen Âge, on utilisait le blanc d’œuf pour lier les pigments colorés, mais les couleurs restaient assez sombres et cette technique ne permettait pas un travail précis sur les couleurs.

À la Renaissance, on utilise de l’huile de lin, ce qui autorise les retouches et un meilleur travail sur les détails. Ainsi, Léonard de Vinci, grâce à la peinture à l’huile, utilise une technique qui lui est propre : le sfumato. Il estompe les contours des personnages et objets pour donner des effets de lumière, de clair-obscur.

La renaissance artistique, comme l’humanisme, est née en Italie. L’Italie est alors une mosaïque de petits états indépendants et rivaux, particulièrement riches grâce au commerce maritime, à la banque ou à l’industrie.

Les différents princes s’affrontent sur le terrain militaire, mais ils le font aussi sur le terrain artistique : ils ont compris que l’art est un très bon moyen de propager leur image et leur prestige à l’extérieur de leur État. Ils ont les moyens financiers d’être de généreux mécènes.

La conjugaison de ces moyens et de ces rivalités, entre Sforza, Médicis, etc. et des Papes, est à l’origine de la fécondité artistique italienne.

Trois villes se détachent et sont de grands centres artistiques qui dominent tour à tour : Florence, Rome puis Venise.

L’art renaissant se diffuse en dehors d’Italie grâce aux voyages des marchands, des artistes, des princes.

Les Guerres d’Italie ont aussi joué un grand rôle, en donnant aux rois de France désireux de conquérir les duchés de Naples et de Milan la passion de cette nouvelle forme d’art.

Château de Chambord, dans le Loir-et-Cher, édifié à partir de 1519 ⎸© iStock – meodif

Le château de Chambord, une grande réalisation de François I^er, exprime les ambiguïtés de la réception des nouveautés italiennes : c’est en fait une synthèse d’éléments médiévaux (tours d’angles, mur d’enceinte, donjon) et Renaissance (fenêtres, lanternons à l’italienne). L’influence italienne se mêle donc aux traditions médiévales nationales.

La Flandre et l’actuelle Allemagne sont d’autres grands foyers de la Renaissance artistique. Jan van Eyck et Dürer ont un grand souci du détail et du réalisme.

Les écoles du Nord finissent elles aussi par influencer le reste de l’Europe, et même l’Italie (cf. peinture à l’huile).

Les Flamands se distinguent par le grand nombre de peintures représentant des scènes familiales, des bourgeois ou de riches marchands.